Edward Steichen: arte y fotografía

Rosas intensas – 1914

El Museo Reina Sofía y el Museo del Traje organizan en Madrid una de las mayores exposiciones sobre Edward Steichen, la primera que se dedica en España a este artista, pionero de la fotografía moderna.

La exposición, que tras su paso por París, Lausanne y Reggio Emilia, llega ahora a Madrid, pretende ser un reflejo completo y preciso de la prolífica obra de este artista. Está formada por casi trescientas fotografías originales y material documental (catálogos de exposiciones, maquetas originales y copias de Vogue y Vanity Fair).

Entre las dos guerras mundiales, Steichen alcanzó la cima del éxito en la fotografía comercial como fotógrafo jefe de las publicaciones Vogue y Vanity Fair del grupo Condé Nast. Durante los dos conflictos mundiales, prestó servicios distinguidos como fotógrafo militar y propagandista, y organizó exposiciones influyentes y enormemente innovadoras para respaldar los esfuerzos bélicos

Como fotógrafo, sus intereses y pasiones eran extremadamente variados: retratos, desnudos, fotografía de flores, moda, danza, teatro, bodegones, paisajes y naturaleza. Fue uno de los primeros en salvar la distancia entre la fotografía creativa y otros usos aplicados del medio, como el editorial o el ilustrativo.

Fuente: Adn.es

Galería del artista

‘Mrs. Eugene Meyer, Nueva York’ (1910)

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“No el que ignore la escritura, sino el que ignore la fotografía será el analfabeto del futuro” Walter Benjamín.

Imagen de Malibu south (2004), de Florian Maier-Aichen

Tal vez esta frase suene un poco extremista. Lo cierto es que ya no podemos negar la presencia de la fotografía como medio artístico por excelencia, un detalle que no solo está avalado por las sumas astronómicas que suelen pagarse por algunos ejemplares, sino por lo que la fotografía en sí transmite y genera.

Este año contamos con otra edición de PhotoEspaña. Aquí algunos recortes de la nota en El País.

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Amedeo Modigliani: su obra y su tiempo.

Detrás de cada artista hay una historia, padecimientos, colores y paletas decorando todo su paso. Por suerte muchas veces nos quedan sus testimonios, a veces como en este caso, tardíamente reconocidos. La vida de Modigliani resulta ser dolorosa y hasta traumática. Sus pinturas nos muestran rostros alargados y algo tristes, aún en los retratos de los infantes. Personalmente me quedo con la belleza de sus cuadros de desnudos, y con la amplia gama de colores utilizados en sus obras.

Aquí he seleccionado algunos recortes de su vida, de su obra. Pequeños capítulos seleccionados de diversas fuentes, que nos dan un pantallazo general del tiempo y la obra de Modigliani. Como siempre la selección de las obras ha sido muy personal.

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Amedeo Modigliani
El violonchelista, 1909
Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm

Modigliani y su tiempo es el título de la exposición que dignifica la figura de uno de los artistas más auténticos de principios del siglo XX. Inmerso en las vanguardias, pero fuera de cualquier clasificación, Amedeo Modigliani es recuperado en todo su esplendor gracias a la muestra que exhiben de manera conjunta el Museo Thyssen-Bornemisza. (Más de Arte)

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 – 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París.

Modigliani es el arquetipo del artista bohemio: una vida marcada por una mezcla de drogas, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad. Sólo alcanzó la fama después de muerto.

Inclusive hoy su obra es una de las más discutidas, ya que algunos críticos la consideran monótona y sobrevalorada, y afirman que su gran popularidad se debe sólo a su vida novelesca. (Wikipedia)

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Amedeo Modigliani
Madame Zborowska, 1918
Óleo sobre lienzo. 64,5 x 46 cm

La pintura de Modigliani responde a este destino doloroso: se limita a la figura humana, fijando siempre una individualidad precisa, con una expresión nostálgica. El artista no encontró un estilo definitivo hasta 1915, fecha a partir de la cual produjo centenares de telas de gran carácter. Sus modelos son muy diversos: hombres, mujeres, niños; unos, del mundillo de las artes y de las letras; otros, del pueblo, cuya indigencia y simplicidad supo captar el artista. (Artelista)

La primera exposición individual del pintor italiano, realizada en la galería de Berthe Weill, es clausurada por la policía a causa de unos desnudos -calificados de inmorales-que se mostraban en el escaparate de la sala. Ese mismo año conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras, pero su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda a nadie, el pintor muere en enero de 1920 en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el noveno mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso. (Image and Art – Texto de Paola Fraticola)

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Amedeo Modigliani
Desnudo, 1917
Óleo sobre lienzo. 73 x 116,7 cm

Desnudos

Modigliani abordó el tema del desnudo femenino desde sus primeros años en París. Sus primeras obras están todavía dotadas de un acusado componente expresivo, acorde con la concepción simbolista del cuerpo femenino como fuente de pecado. Más adelante, sus desnudos se fueron desembarazando de todo contenido moralista para abrazar la sensualidad mediterránea.

Retratos

Sus primeros retratos de 1914 son todavía deudores de la paleta fauve. Dan paso a un periodo en el que predomina el ejemplo de la ordenación plástica cubista. Desde 1917 encontramos ya el estilo maduro del artista italiano, caracterizado por la síntesis entre línea y volumen plástico. A diferencia de otros artistas del siglo xx como Derain, Picasso o Gris, Modigliani mantuvo siempre en sus retratos el equilibrio entre la arquitectura formal de la obra y la fidelidad a la fisonomía individual del modelo representado.

Museo Thyssen Bornemisza

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Amedeo Modigliani
Niña en azul.

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Man Ray: sueños surrealistas

Man Ray. Su nombre y sus trabajos suenan de lejos enigmáticos.

En estos casos nada mejor que dejar la tarea a alguna persona que haya escrito con conocimiento sobre este artista.

El siguiente extracto sobre Man Ray pertenece a Fernando del Río Ojuel, en una columna de El Angel Caído dedicado al fotógrafo.

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Noir et blanche, 1936

“Toda la obra fotográfica de Man Ray puede definirse como fascinante y desconcertante a la vez.

Una imparable mezcla de invención, juego y goce.

No es difícil imaginar a Man Ray divirtiéndose realmente cuando fotografiaba, ya fuese con ese afán de alquimista en el que consistían sus rayogramas (fotografía sin cámara) o en esos desnudos fetichistas solarizados.

La fotografía se convierte en un mero pincel al servicio de su búsqueda de la belleza en lo cotidiano.

‘Hay tantas maravillas en un vaso de vino como en el fondo del mar’, que le dedicaría Paul Eluard.

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American, 1920- (The Getty)